Ran Hwang: Breathwave
By Robert C. Morgan
In the dynamic landscape of contemporary art, the notion of dematerialization has undergone a captivating transformation. Once associated solely with the absence of tangible objects, this concept has now evolved to encompass broader dimensions, intertwining with cultural representations and spiritual inquiries. Ran Hwang, a talented artist born in Korea, adeptly navigates this intricate terrain through her mesmerizing installations, which invite viewers to embark on a profound exploration that transcends visual or material understanding and enters into the realm of thought and consciousness.
Ran Hwang’s artistic journey is deeply intertwined with her experiences in the fashion industry and the profound impact of the September 11 attacks, which coincided with her decision to settle down as an artist in New York. Influenced by her background, she started to employ buttons, thread, and pins as primary materials for her artwork. The events of September 11 left an indelible mark on Hwang, confronting her with the stark reality of life’s impermanence. The central themes in her work revolved around the concepts of life’s uncertainty, mortality, and the visible and invisible realms. These themes were carefully interwoven into her works, reflecting her keen observation of the world around her. One of her seminal works from this period features the installation of Buddha’s image on a wall, meticulously crafted using button pins. Yet, it is not merely an image fixed in place; rather, it appears to scatter in the wind, symbolizing the dispersal of enlightenment across the world. This evocative portrayal encapsulates the drama and philosophical profundity of Hwang’s art, blurring the line between the material and immaterial realms.
Her choice of materials, such as buttons, beads, pins, and threads, not only imbues her works with a highly personal sense of assemblage but also underscores her exploration of the intersection between the tangible and intangible realms. In an era where artists increasingly appropriate mass-produced images and objects for cultural representation, Hwang’s altered images and installations emerge as poignant reflections of this trajectory. Her creations serve as a testament to both personal and broader feminist concerns while simultaneously reframing the concept of dematerialization, revealing the intrinsic connection and contradiction between spiritual meaning and tangible materials. Ran Hwang’s art transcends traditional boundaries; she challenges conventional perceptions, prompting contemplation on the complexities of existence and the interplay between materiality and transcendence.
The current exhibition, Ran Hwang: Breathwave, has been organized as the inaugural AHL-Founder S.N. Kim Grant Exhibition, commemorating the twentieth anniversary of the founding of the AHL Foundation. Here the artist has unveiled a stunning wall installation that spans three walls of the gallery. This masterpiece features four birds, a red nest, and a black and white net. In this installation, Hwang’s artistic process pays homage to her earlier works, where she meticulously connected thread using pins driven directly onto the gallery walls. The iconic bird imagery, intricately inserted into the walls and woven with vibrant five-color thread, merges the symbolism of the American eagle and the Korean phoenix. Despite appearing trapped in a net, the birds exude a sense of unwavering power and determination through their outstretched wings and piercing gazes. The thematic opposition of “confinement” and “freedom” resonates deeply, symbolizing the human experience of overcoming obstacles and striving for personal growth.
Within Hwang’s works, symbolic images of spirituality blur the boundaries between the material and the immaterial. As observers encounter them, they confront a paradoxical tension. Vibrant threads, meticulously arranged, simultaneously evoke the allure of consumer culture and the tranquility of an ideal human condition. In Breathwave, Hwang orchestrates a symphony of contradictions, inviting viewers to engage with the inherent tension between materialism and spirituality, desire and transcendence. Through her art, she illuminates the path toward a deeper understanding of what it means to be human—a journey marked by complexity, ambiguity, and, ultimately, profound insight.
Contributor
Robert C. Morgan was a distinguished artist, critic, curator, and art historian whose multifaceted career spanned decades of painting, writing, and lecturing on global art history. A prolific author, he published numerous seminal books with prestigious academic presses, including Cambridge University Press, Johns Hopkins University Press, and University of Minnesota Press. Throughout his life, he traveled extensively, engaging with diverse artistic cultures and bridging the gap between Western and Eastern art theories. Following his late-career exhibition at the Scully Tomasko Foundation (2022), he leaves behind a profound legacy as one of the most respected and vital voices in the international art world.
황란 ‘호흡파’ 展
로버트 C. 모건
현대 미술의 역동적인 풍경 속에서 ‘비물질화(dematerialization)’라는 개념은 매혹적인 변화를 거듭해 왔습니다. 한때 단순히 유형의 대상이 부재하는 상태를 의미했던 이 개념은 이제 문화적 재현과 영적 탐구라는 더 넓은 차원을 아우르며 진화하고 있습니다. 한국 태생의 재능 있는 예술가 황란은 매혹적인 설치 작품을 통해 이 복잡한 지형을 능숙하게 가로지릅니다. 그의 작품은 관객으로 하여금 시각적, 물질적 이해를 초월하여 사유와 의식의 영역으로 진입하는 깊은 탐색의 여정으로 초대합니다.
황란의 예술적 여정은 패션 산업에서의 경험, 그리고 작가로서 뉴욕에 정착하기로 결심한 시기와 맞물린 9.11 테러의 깊은 충격과 긴밀하게 연결되어 있습니다. 이러한 배경의 영향으로 그는 단추, 실, 핀을 주재료로 사용하기 시작했습니다. 9.11 사건은 황란에게 지울 수 없는 흔적을 남겼고, 그로 하여금 삶의 덧없음이라는 냉혹한 현실을 직면하게 했습니다. 그의 작업의 핵심 주제는 삶의 불확실성, 필멸성, 그리고 가시적 영역과 불가시적 영역 사이의 관계를 중심으로 전개되었습니다. 이러한 주제들은 그가 주변 세계를 예리하게 관찰한 결과물로서 작품 속에 세밀하게 짜여 있습니다.
이 시기 그의 대표작 중 하나는 벽면 위에 단추 핀을 사용하여 정교하게 제작된 부처의 형상입니다. 그러나 이것은 단순히 고정된 이미지가 아닙니다. 오히려 바람에 흩날리는 듯한 모습으로 나타나며, 이는 전 세계로 퍼져 나가는 깨달음의 전파를 상징합니다. 이 영성 어린 묘사는 황란 예술이 지닌 드라마와 철학적 깊이를 응축하고 있으며, 물질적 영역과 비물질적 영역 사이의 경계를 허뭅니다.
단추, 비즈, 핀, 실과 같은 재료의 선택은 작품에 매우 개인적인 아상블라주(assemblage)의 감각을 불어넣을 뿐만 아니라, 유형과 무형의 영역이 교차하는 지점에 대한 탐구를 강조합니다. 예술가들이 문화적 재현을 위해 대량 생산된 이미지와 사물을 점점 더 많이 차용하는 시대에, 황란의 변주된 이미지와 설치 작품들은 이러한 흐름에 대한 날카로운 성찰로 다가옵니다. 그의 창작물은 개인적이고도 확장된 페미니즘적 관심을 증명하는 동시에, 비물질화의 개념을 재정립하며 영적인 의미와 실재하는 물질 사이의 본질적인 연결과 모순을 드러냅니다. 황란의 예술은 전통적인 경계를 초월합니다. 그는 관습적인 지각에 도전하며 존재의 복잡성과 물질성과 초월성 사이의 상호작용에 대해 사유하게 합니다.
이번 전시 《황란: 브레스웨이브(Ran Hwang: Breathwave)》는 알재단(AHL Foundation) 창립 20주년을 기념하는 '제1회 AHL-Founder S.N. Kim Grant' 전시로 기획되었습니다. 작가는 갤러리의 세 벽면을 가득 채우는 압도적인 벽면 설치 작품을 선보였습니다. 이 걸작에는 네 마리의 새, 붉은 둥지, 그리고 흑백의 그물이 등장합니다. 이 설치 작품에서 황란의 예술적 프로세스는 갤러리 벽에 직접 박은 핀을 사용하여 실을 세밀하게 연결하던 초기 작업 방식에 경의를 표합니다.
벽면에 정교하게 삽입되고 오방색 실로 엮인 상징적인 새의 형상은 미국 독수리와 한국 봉황의 상징성을 결합한 것입니다. 그물에 갇힌 것처럼 보임에도 불구하고, 새들은 펼쳐진 날개와 날카로운 시선을 통해 흔들리지 않는 힘과 결연한 의지를 뿜어냅니다. '구속'과 '자유'라는 테마의 대립은 장애물을 극복하고 개인적인 성장을 향해 나아가는 인간의 경험과 깊은 공명을 일으킵니다.
황란의 작품 안에서 영성의 상징적 이미지들은 물질과 비물질의 경계를 흐립니다. 관찰자들은 이 이미지들을 마주하며 역설적인 긴장감에 직면하게 됩니다. 세심하게 배열된 화려한 실들은 소비문화의 매혹과 이상적인 인간 상태의 평온함을 동시에 환기합니다. 《브레스웨이브》에서 황란은 모순의 교향곡을 조율하며, 관객들을 물질주의와 영성, 욕망과 초월 사이의 내재적 긴장 속으로 초대합니다. 그는 예술을 통해 인간이 된다는 것이 무엇을 의미하는지—복잡성과 모호함, 그리고 궁극적으로는 심오한 통찰로 점철된 그 여정—에 대한 더 깊은 이해의 길을 밝혀줍니다.
Contributor
로버트 C. 모건은 예술가, 평론가, 큐레이터이자 미술사학자로 활동하며 평생을 창작과 비평, 강연에 헌신한 현대 미술계의 거목입니다. 케임브리지 대학교 출판부, 존스 홉킨스 대학교 출판부, 미네소타 대학교 출판부 등 세계적인 권위를 가진 출판사를 통해 다수의 명저를 남겼습니다. 그는 전 세계를 무대로 활동하며 서구와 동양의 미술 이론을 연결하는 데 앞장섰으며, 2022년 뉴욕 스컬리 토마스코 재단 전시를 비롯해 최근까지도 국제 미술계에서 가장 신뢰받는 비평가로서 깊은 통찰과 예술적 유산을 남겼습니다.